DETERGENTE FANZINE: Tipografía experimental

Muchas veces la tipografía es lo único que necesitamos para comunicar una idea de forma efectiva. La tipografía debe de ser lo suficientemente expresiva para tener diseños que comuniquen adecuadamente. Algunos diseñadores se han enfocado en “experimentar” con la tipografía proponiendo cosas distintas, los resultados son muchas veces artísticos, estéticos, locos o simplemente diferentes a lo que estamos acostumbrados a ver formalmente. Estos diseñadores han explorado nuevas perspectivas y la experimentación es el reto obteniendo resultados únicos.

La era digital ha traído nuevas ideas de experimentación en tipografía, hechas en su totalidad en la computadora, desde la llegada de Mac, la tipografía ha tenido un verdadero renacimiento, sin embargo las técnicas tradicionales se han mantenido con muchísimo éxito y que en muchas ocasiones jamás podrán ser reemplazadas por ningún software.

A través de esta experimentación, como proceso racional de investigación, de operaciones y series de cambios para la materialización de un resultado, se busca también un aprendizaje continuo, parejo al experimento, con el objetivo de descubrir y revelar el desarrollo de un nuevo vocabulario visual teórico, a través de un método. Este método lleva el trabajo más allá de los límites de la novedad, hacia el territorio de lo desconocido.

La tipografía experimental también trata sobre el potencial expresivo en el desarrollo de una tipografía. De esta forma, el lenguaje es articulado a través del uso de la tipografía para aumentar la comunicación, alejándose de las tipografías ornamentales o decorativas, que obstaculizan la transmisión clara del mensaje.

Este taller recoge los orígenes de la tipografía experimental de las vanguardias y la lleva a nuestros días, donde se entiende como una nueva percepción teórica del lenguaje, a través de la palabra visible.

La tipografía experimental es la forma en la que describimos cómo miramos las cosas, es la forma de encontrar un nuevo lenguaje, de cuestionar cómo representamos la información y cómo la interpretamos. La forma es responsable del contenido.

Cada tiempo exige su propia tipografía. La comunicación necesita de nuevas herramientas para poder interactuar. La tipografía sin duda alguna es una de ellas.

1. David Carson

Es un diseñador gráfico de Estados Unidos, es conocido por su innovador diseño para revistas y el uso experimental de tipografía. Fue director de la Revista Ray Gun, en donde empleó mucho del estilo gráfico y tipográfico que lo caracteriza. En el 95, Carson dejó la revista para crear su propio estudio en Nueva York trabajando para clientes como Pepsi, Ray Ban, Nike, Microsoft.

Ray Gun, dirigida por este diseñador, fue una revista estadounidense de rock alternativo. Esta revista musical alternativa marcó, decididamente, un antes y un después en la manera de entender el diseño gráfico. David Carson comentó que no recibía un cuantioso sueldo de parte de esta revista pero que, a cambio, tenía una plena libertad creativa. Después de diseñar un ejemplar de la revista, lo llevaba directamente a la imprenta sin que nadie diese el visto bueno o autorizase el contenido de ésta. El resultado fue un estilo caótico, abstracto, a veces difícil de leer, pero de apariencia distinta al resto.

Carson opina que una estructura fija que da coherencia y unidad a todas las páginas de una revista al final provoca un aburrimiento extremo. Por eso él concibe la revista como un objeto vivo que evoluciona y cambia a lo largo de las páginas y también en el siguiente número. En sus diseños busca continuamente la atracción y seducción del público, por eso los titulares están cargados de expresividad y emotividad por lo que los hace destacar ya que para él, los considera como el elemento primordial para que el lector se fije y continúe leyendo el artículo. Esto lo puso en práctica en la revista Ray Gun en la que cada número era totalmente diferente al anterior y era complicado identificarla. David Carson utiliza un constante cambio de cabecera de cada número intentando que los lectores no caigan presa de la rutina y la monotonía. En ocasiones David utiliza tipografías serpenteantes e irregulares incluso parece que se escucha el recorrido de las letras. Un ejemplo de esto es la Portada del nº 20 de la revista Ray Gun que se puede leer normal y al revés. La figura retórica de la inversión se aprecia claramente en la fotografía con un personaje correctamente colocado y otro al revés se traslada también a los componentes del texto. La cabecera y los titulares se repiten en un sentido y en otro.

A través de su tipología llega a la cima del movimiento contra la sobriedad. Se centra sobre todo en la tipografía de tipo experimental, esto se debe a que en sus trabajos suele combinar distintas tipografías dando a sus diseños una sensación de innovación.

Su tipografía se basa sobre todo en la mezcla y superposición de varios tipos de tipologías distintas, cambiando el tamaño de las letras, el color o el uso en una misma palabra de combinaciones de bold e itálicas o de mayúsculas o minúsculas.

Carson siempre va acompañado de una cámara fotografica, causante de que su estilo se caracterice por la mezcla del texto con la imagen ya que la interaccion entre ambos componentes hace que el mensaje sea más completo y gane fuerza visual. En sus composiciones podemos encontrar el uso de la fotografía de diversas formas: collages, yuxtaposicion de fotos, fotografías desenfocadas que suelen servir como fondo cromático, fotos al revés, etc

· Medida desproporcional con un tamaño de tipos o exageradamente grandes, o muy pequeños, en ambos casos casi sin buena apreciación de las letras.

· También se produce en su tipografía un interletraje excesivo o negativo.

· la tipografía no siguen una línea base, produciendo el baile de las letras que es un reflejo de innovación.

· Utiliza bloques de textos invertidos.

· En bastantes trabajos aparece el texto en color sobre un fondo también coloreado que dificulta la lectura y la visión obligándonos incluso a forzar la vista y en muchas ocasiones a no entender lo que vemos. Este tipo diseño experimental no se detiene solo ahí sino que fue llevado a su propia web www.davidcarsondesign.com

En noviembre de 1995, publicó su primer libro End of print que vendió más de 200.000 copias en cinco idiomas diferentes y pronto se convirtió en un best-seller alrededor del mundo. Su segundo libro, 2nd Sight, fue publicado dos años más tarde, el cual cambió el modo común de ver el diseño gráfico. En 1998, trabajó con el profesor de Harvard John Kao en un ensayo titulado "The art and discipline of creativity". Su tercer libro, Fotografiks (1999), hizo que Carson recibiera el premio al Mejor uso de fotografía en Diseño Gráfico. Su cuarto libro, Trek, fue publicado un año más tarde. Carson tambíén ayudó en el desarrollo de The History of Graphic Design de Philip Meggs y en el deThe Encyclopedia of Surfing de Matt Warsaw.

Los actos intuitivos que lleva a cabo David Carson, según muchos estudios científicos, están empezando a considerarse como medios más efectivos que la elección racional. Antes se consideraba que hacer una lista con los pros y los contras ayudaría a tomar mejores decisiones. Ahora sabemos que el instinto puede ser mucho más eficaz a la hora de elegir la mejor opción. El motivo de esto es evolutivo. Nuestro cerebro, a lo largo de miles de años, ha aprendido unas "reglas generales" que nos proporcionan respuestas rápidas y acertadas en cada situación.
En una de sus charlas, David Carson ejemplificó esta manera de intuir y de elegir a partir de un simple vistazo con unas fotos que había tomado de la puerta de unos garajes:

David Carson explica en su charla: "Creo mucho en la emoción en el diseño y en el mensaje que es enviado antes de que se empiece a leer, antes de que se obtenga el resto de información; cuál es la respuesta emocional al producto, al relato, a la pintura... a lo que sea. Esa área del diseño es la que más me interesa y creo que esto (ilustración arriba) es, para mí, una versión clara y muy simplificada de lo que estoy hablando. Estas son un par de puertas de garaje pintadas idénticamente y situadas una al lado de la otra. Fijaos en la puerta de la derecha. Sí... os llega el mensaje, está bastante claro. Echadle un vistazo a la puerta de la izquierda y mirad a ver si os llega un mensaje distinto. Bien, ¿Delante de qué puerta aparcaríais?... Mismo color, mismo mensaje, mismas palabras. Lo único diferente es la expresión que cada propietario puso a la pieza... Y, otra vez, ¿Quién de los dos es el asesino psicópata?... Y sin embargo, sin decir nada (no necesita decirlo) probablemente aparcaría delante del garaje de la derecha."
En la educación universitaria, el diseño se enseña a partir de metodologías proyectuales y teóricas; tiene que reconecerse la importancia de "la intuición". Esto debe considerarse como algo subjetivo e imposible de "enseñar", por lo que se debe dejar que el alumno desarrolle su lado más creativo en la "intimidad".
En la disciplina del diseño gráfico, lo intuitivo se relaciona con un tipo de conocimiento, el "conocimiento sensible". Éste se obtiene sólo por medio de la experiencia.

«Percibir es sentir, vivenciar, contactar. Sentimos nuestro entorno y nos sentimos a nosotros mismos. Esta capacidad de percibir es compartida por todos los seres vivos, aunque con características específicas en cada especie. [...] Como es bien conocido, la persona adulta percibe el mundo que la rodea y su mundo interno a través de los sentidos. Así, los estímulos son registrados en el cuerpo por medio de los distintos órganos sensoriales».
Revista Orur S. XX! Nº 3. (www.orur.com.ar) «Percepción» Año 1 , noviembre 2004.

Carson tiene un acercamiento subjetivo al diseño. Al prepararse para crear la portada de un CD, lo escucha primero. Usa su sentido intuitivo o respuesta emocional para "arrancar el motor de la creatividad". Busca que el espectador también tenga un proceso similar al ver la obra. No se acerca al trabajo con un estado mental "objetivo-universal" porque, como dice: "La neutralidad es imposible".
Otra diapositiva que enseñó David Carson en su charla es la del logo de Nine Inch Nails. Explicó que subordinó lo obvio a lo sutíl, lo cuál es revolucionario o, por lo menos, algo subversivo porque enfatiza la obra de arte sobre el anuncio, la intuición sobre el análisis. La intuición, muy ligada a la experiencia, es el conocimiento que se construye sin el uso de la razón, y por ello no puede explicarse o describirse mediante la palabra. Este conocimiento lo podemos relacionar con experiencias previas pero no podemos averiguar cuál es su verdadero significado. La intuición tiene mucho que ver con nuestro instinto, usándose de forma casi involuntaria en determinadas situaciones que requieren una reacción rápida o un pensamiento abstracto y automatizado.
Estos actos intuitivos, según muchos estudios científicos, están empezando a considerarse como medios más efectivos que la elección racional. Antes se consideraba que hacer una lista con los pros y los contras ayudaría a tomar mejores decisiones. Ahora sabemos que el instinto puede ser mucho más eficaz a la hora de elegir la mejor opción. El motivo de esto es evolutivo. Nuestro cerebro, a lo largo de miles de años, ha aprendido unas "reglas generales" que nos proporcionan respuestas rápidas y acertadas en cada situación.
En una de sus charlas, David Carson ejemplificó esta manera de intuir y de elegir a partir de un simple vistazo con unas fotos que había tomado de la puerta de unos garajes:

Somos capaces de dar con el significado sin que el logo moleste demasiado. Carson permite al consumidor responder a la portada del CD, en vez de bombardearle continuamente con el logo. Los diseños de Carson comunican muchas cosas aun siendo ilegibles en su mayoría. Al respecto dice: "No confundáis legibilidad con comunicación".

La 'forma' refuerza al contenido. Las obras de David Carson entran en conflicto con las formas más aceptadas de ver el arte, el diseño, el mensaje, la creatividad. Su obra no es siempre fácil. A veces sus 'títulos' se superponen al resto del texto, las palabras se salen de la página, o son completamente ilegibles. En fin, la obra de Carson no va dirigida a aquellos que desean ver todo ordenado y "fácil" de comprender.

David Carson ha inspirado a muchos diseñadores y les ha abierto el camino hacia nuevas formas de trabajar con imágenes. Pero no se trata de imitar todos los aspectos de Carson, sino de interiorizar su estilo y combinarlo con "nuestras" preferencias personales. Detrás hay más que un simple estilo, un 'look'... hay energía, pasión, y carisma. Son elementos contenidos todos en "la intuición"

En relación a la fotografía Carson es un fotógrafo compulsivo. Lleva siempre encima un cámara automática de 35 mm. De todos sus viajes saca un amplio repertorio de imágenes que posteriormente utiliza en sus diseños. Su afición a la fotografía le viene desde los ocho años. Carson ve la fotografía como una extensión más de sus actividades como diseñador gráfico. Lester Beall, profesor de diseño, decía que el diseñador es como un ojo viajando por el mundo, embebiéndose de la inspiración que luego aplicará a su trabajo.

Cuando coge la cámara ya está diseñando la imagen porque realiza encuadres muy precisos buscando sólo el detalle de lo que le interesa y desechando el resto. No le interesan las típicas estampas turísticas. Se fija en detalles que para otras personas pasarían inadvertidos. Con sus instantáneas refleja el latido de la ciudad que visita. No las identifica, puede ser cualquier ciudad del mundo.

Usa la fotografía como herramienta para ampliar y documentar sus experiencias perceptivas. Hace sus fotos sin tener propósitos concretos en un principio. Para los diseñadores lo importante es la página y no la fotografía como elemento individual.

Carson considera que tanto imagen como palabra, ambos tienen valor textual y valor visual. Palabra e imagen no son dos sistemas diferenciados de comunicación. Su interacción dinámica en forma y contenido hace que el mensaje sea un todo superior a la suma de las partes.

En sus primeros trabajos para revistas, Carson no contaba con buen material fotográfico. Tenía que imponerse el reto de encontrar el modo en que la fotografía y la composición resultaran interesantes y dinámicas. Para él la fotografía es una materia prima que se puede mejorar y modificar con el proceso del diseño gráfico: selección de imágenes, reencuadre, yuxtaposición, superposición, sangrados, collages, cambios de escala, integración de otros elementos...

La fotografía no es una obra de arte única que no ha de ser violada, por lo menos dentro del contexto del diseño editorial y no del artístico. Hay que sacarle el mayor partido y expresividad a la foto, aunque eso signifique mutilarla.

Sus imágenes desenfocadas actúan a la vez como imagen y como fondo cromático en el que hay una amalgama de colores. Son imágenes con un bajo nivel de información porque el ojo no distingue los detalles. El color, la forma y el espacio pasan a un primer plano y el contenido pierde protagonismo.

Carson huye de la redundancia entre la imagen y la palabra. Cuando ambas transmiten el mismo mensaje, renuncian al poder de crear un significado mayor que la suma de las partes. Su capacidad de interacción enmudece.

Normalmente la fotografía es vista como representación del tema que se trata. Pero también tiene una presencia secundaria como superficie bidimensional, como fondo con un conjunto de tonos y colores. El otro elemento del diseño, la tipografía, es visto normalmente como un conjunto de símbolos fonéticos que han de ser codificados a través de la lectura. Pero las letras también funcionan como textura de formas (letras) y contraformas (es espacio que hay entre y alrededor de las letras).

La combinación de ambas es la esencia del diseño gráfico que trata con el lenguaje y la forma y que añade expresión a ese lenguaje.

Estos son algunos de sus recursos fotográficos y visuales:

Busca el detalle y hace encuadres imposibles. No le interesa el mero retrato y busca los elementos expresivos de la imagen.
Encuadres y cortes extremos.
Fotos al revés.
Uso de imágenes desenfocadas que para un experto en fotografía serían desechables para un diseño.
Uso de los contactos fotográficos, es decir las pruebas de revelado de un carrete fotográfico, como recurso visual.
Uso del fotomontaje y la técnica del collage.
Fotos rascadas y deterioradas.
Le llaman poderosamente la atención los letreros hechos a mano en las tiendas de barrio, las señales de tráfico, las paredes llenas de carteles, las vallas publicitarias deterioradas, etc.
Uso de imágenes de objetos desechables como servilletas, sobres con matasellos, naipes usados, fotos viejas, escritura a mano, fotocopias inservibles, faxes recibidos con error de transmisión...
Le interesan mucho las fotos de la calle hechas a través del cristal del coche, las que realiza desde la ventanilla del avión o las que realiza desde la ventana del hotel en el que se aloje.
Uso de imágenes fotografiadas de otras imágenes: muchas veces hace fotos de lo que se ve en su pantalla de ordenador durante el proceso de diseño. También vuelve a fotografiar imágenes de fotos ya hechas para tomar un elemento expresivo.
La fotografía aparece muchas veces con su marco.

El error es un concepto muy importante para Carson, el cual aprovecha todo para sacarle su máximo potencial. Quizás el error sea su mejor elemento creativo. No tira las fotografías defectuosas y saca de ellas un partido inimaginable. Los errores de impresión, los faxes con errores de transmisión y los fallos informáticos le interesan mucho desde el punto de vista visual. Ya hemos comentado también su interés por los objetos desechables.

Estos son algunos de sus recursos expresivos que hace de los errores:

Utiliza muchas veces las correcciones del texto hechas a mano para incluirlas en el diseño.
Uso de manchas producidas por accidentes. Por ejemplo, un café que se ha caido sobre un papel o una foto e incluso, manchas de sangre producidas al hacer un montaje o un collage.
También el uso ya comentado de los errores de impresión, faxes, etc.

e) Audiovisual
Los medios audiovisuales han invadido también las páginas impresas cambiando el modo en que se combinan tipografía e imágenes. La controversia sobre el nuevo diseño gráfico es uno de los síntomas del amplio salto generacional entre los diseñadores experimentados y los diseñadores noveles. Los primeros adquirieron sus conocimientos comunicativos con los medios impresos y después aprendieron a trabajar con los medios electrónicos. Sin embargo, los más jóvenes han aprendido con la televisión y los videojuegos y por eso tienen mayor facilidad para la interpretación de las imágenes audiovisuales.

Carson ha captado ese cambio en los hábitos que se han producido en los hábitos de lectura por la influencia de los medios audiovisuales y consigue trasladar al papel (un espacio estático) los recursos de estos medios. Sus diseños parecen videoclips en los que las páginas de la revista son cada uno de los fotogramas que lo componen.

Rescata fotogramas de videoclips, anuncios o videojuegos que adquieren vida propia fuera de su contexto cinético. La imagen en movimiento no espera a nadie y sus matices sutiles escapan a nuestra visión. Una imagen estática busca su movimiento mediante la repetición, la superposición y el reencuadre.

Estos son algunos de los recursos audiovisuales que emplea:

• Repetición de secuencias en fotos contiguas.
• Efectos de velocidad y difuminados en la tipografía que la confieren un carácter dinámico.
• Páginas sin márgenes para que de la sensación de continuidad como los fotogramas de una película.
• Uso de imágenes sacadas de los medios audiovisuales: Carson fotografía las pantallas de la televisión y la del ordenador. Estas imágenes tienen una textura de líneas horizontales multicolores que se aprecian en su reproducción.

Análisis retórico de los diseños de David Carson
Ha llegado la hora de enfrentar a Aristóteles, el padre de la Retórica y a David Carson, el diseñador gráfico más transgresor de los últimos años. Se habrá podido intuir en el apartado anterior de recursos gráficos que muchos de ellos son figuras retóricas trasladadas al campo visual.

Aunque Carson no se de cuenta, sus diseños complicados, que a veces rayan lo barroco, están cargados de figuras retóricas que contribuyen a que sus trabajos sean muy expresivos. Carson no facilita el acceso al mensaje, intenta ponérselo difícil al lector con sus recursos expresivos. Se le podría definir como el “Góngora del Diseño Gráfico”. Analizaremos algunos de sus proyectos para establecer la relación de la Retórica con el Diseño Gráfico.

2. Stefan Sagmeister

Es un diseñador Austriaco que actualmente tiene su estudio en Nueva York, es conocido por su trabajo en el ámbito musical donde creó portadas sorprendentes cargadas de poder retórico y estético. Ha contado con clientes como David Byrne, Lou Reed, The Rolling Stones entre otros. Su experimentación a nivel tipográfico es muy variada haciendo diseño en exteriores, en papel así como con su propio cuerpo con un cartel para AIGA (American Institute of Graphic Arts) donde la tipografía esta tallada sobre su cuerpo y luego fotografiado para el cartel. Revolucionario y contestatario. A comienzos de los 90, Sagmeister hizo esta obra con un cuchillo tallado en su torso desnudo con los datos de una conferencia. Actualmente está asociado con quien también tiene trabajo extraordinario en este rubro.

Una de las “más frecuentes fuentes de inspiración” del gurú del diseño actual es un “recientemente ocupado cuarto de hotel”. “Encuentro más fácil trabajar en un lugar lejos del estudio, donde los pensamientos sobre la implementación de una idea no vienen a mi mente inmediatamente, pero donde puedo soñar de una manera más libre”, explica.

Sin embargo, aunque el idear un concepto detrás de cada uno de sus trabajos es prioritario para el austriaco, afirma que mientras se hace más viejo, la forma, la belleza y, en general, la ejecución de un proyecto se hace cada vez más importantes para él. “Hay ideas por docenas. Estar seguro de que ellas son puestas en este mundo de una forma en la que puedan crecer y respirar es lo difícil”, sentencia.

Setefan Seigmeister sabe lo que quiere. Hace 20 años creó su compañía de diseño, la cual hoy se da el lujo de elegir con qué clientes trabajar. “Como siempre he mantenido un estudio pequeño, muchas veces tenemos más propuestas que posibilidades de tomarlas todas. Así que tenemos que decir que no con mucha frecuencia”, asegura.

Y es que aunque afirma que pudo hacer que su neoyorquino negocio creciera “al tamaño que hubiera querido”, el diseñador decidió que este se mantuviera pequeño.

“Yo creo que las compañías pequeñas pueden hacer un trabajo mucho más eficiente, con menos malos entendidos. He trabajado en lugares con 3, 5, 50, 200 y hasta 10.000 empleados. La regla de oro que saco de mi experiencia es que, a más gente involucrada, peor el resultado”, afirma convencido.

Por eso, “a propósito”, cuando creó su compañía compró un lugar pequeño, de 60m2, “para que no pudiéramos crecer”. Hoy por hoy en el estudio Sagmeister & Walsh, el genio creativo trabaja junto a 3 diseñadores y 2 internos. Nada más y nada menos.

3. Jessica Walsh

Es una diseñadora multidisciplinaria que vive actualmente en Nueva York, su trabajo ha sido publicado en libros y revistas de diseño y ganado premios como el Type Directors Club, Print, Graphis. Fue nombrada como la “Top Rising Star in Design” por la revista Computer Arts Magazine. Ha trabajado para Pentagram Design, Print magazine y actualmente asociada con Stefan Sagmeister. Si vemos la exitosa historia de Jessica Walsh, parece que ha estado en los tiempos y lugarescorrectos para ser una de las mujeres más reconocidas en el ámbito de las artes visuales. Ha ganado premios como Type Directors Club, Art Directors Club, SPD, Print, Graphis y, recientemente, ha sido nombrada la "Top Rising Star del Diseño" por la revista Computer Arts. Pero después de ver su trabajo y escucharla hablar acerca de cómo lo logra, queda claro que Jessica tiene un fabuloso proceso creativo en su ADN que ni ella misma lograría explicar.

Se graduó de Diseño Gráfico del Rhode Island School of Design (RISD), fue directora de arte en Print Magazine y hace más dos años trabaja para Stefan Sagmeister, un diseñador que es una leyenda viva. Sus trabajos son los mejores pagados de Nueva York, es un hombre misterioso que no suele contratar a nadie, pero cuando conoció a Walsh la hizo parte de su equipo y ahora socia de su agencia. La relación artística entre ellos me recordó a la de Tarantino y Thurman o a la de Gainsbourg y France Gall. Así de extraordinaria.

Durante su conferencia en OFFF, el festival de creación y cultura post-digital que Telcel presenta en México, Jessica Walsh compartió algunos de sus trabajos dentro de la agencia Sagmeisterwalsh. El que más llamó la atención fue el proyecto '40 días de citas'. Después de no haber dado al clavo en asuntos amorosos, Jessica decidió realizar un experimento con uno de sus mejores amigos que consistió en 40 días para intentar encontrar el amor (o lo que fuera).

4. Gilles Brook

Gilles es un ilustrador y diseñador gráfico de los Paises Bajos, en su twitter gillesch dice que se encuentra en primer año al parecer se mantiene ocupado diseñando para studio1oak.

5. Kanye Hand

Lettering Esta es una composición con tipografía experimental hecha completamente a mano. Se usan varias técnicas como collage, tinta china, diferentes tipos de plumas, marcadores y manchas hechas al azar en algunos puntos.

6. Alex Trochut

Alex Trochut se graduó en Diseño en la escuela ELISAVA de Barcelona, comenzando su actividad profesional en Berlín, trabajando en los estudios Moniteurs y Xplicit,¹ para posteriormente regresar a Barcelona y trabajar en el estudio de diseño Toormix a su llegada, y más tarde en el de Vasava, estableciéndose por su propia cuenta en 2007.

Su obra se caracteriza por la importancia que otorga a la tipografía, convirtiéndola en un elemento de expresión gráfica,² así como la variedad y cambios de técnica en cada proyecto,³ manteniendo en todos ellos como rasgos comunes la fusión entre geometría y formas fluidas. Su obra se ve influida por artistas mediterráneos como Pablo Picasso, Salvador Dalí o Joan Miró, así como por el arte geométrico del húngaro Víctor Vasarely.

Ha realizado proyectos para Apple, Arctic Monkeys, Nike, The Rolling Stones, Adidas, Coca-Cola, British Airways, Pepsi, Starbucks o The Guardian.

En 2011 publicó el libro titulado More is More en el que se recogen todos los proyectos que ha realizado desde 2006 hasta ese momento.

En 2012 desarrolló el proyecto artístico conocido como Binary Prints, resultado de las investigaciones llevadas a cabo en el campo de la dualidad, para el que patentó una técnica que recibe el mismo nombre, mediante la que dos imágenes diferentes podían ser mostradas en una misma superficie, una con luz y otra con oscuridad. A través de dicha técnica, y en colaboración con artistas de música electrónica como James Murphy, John Talabot, Carbou, Damian Lazarus o Acid Pauli, entre otros, ilustró los carteles del festival Sónar en 2013.

7. Say Broken

Es una composición experimental que empezó basada en un objeto especíco de la infancia (Una base de las torugas ninja). A partir de este se sacó un concepto de multiplicidad de texturas, se tomaron texturas y materiales de construcción con el fin de usarlas en un alfabeto hecho a partir de letras egipcias (Rockwell Extrabold).

8. Ion Lucin

Ion Lucin realiza experimentos visuales con motion graphicsa modo de ejercicio para experimentar y explorar todas las posibilidades gráficas.

Este artista visual afincado en Bilbao empezó como diseñador gráfico pero decidió adentrarse en el mundo del motion graphics. Pronto necesitó superarse a si mismo y buscó el reto del 3D. Con la base del diseño gráfico e influenciado por el trabajoJosef Müller-Brockmann y de Jan Tschichold, realiza proyectos personales a modo de ejercicios experimentales.

Uno de estos ejercicios se titula Spherikal, en el que Ion, basándose en la Gestalt, altera y transforma superficies mostrando múltiples representaciones de una esfera. Lo que pretendía era sintetizar la forma, el color y el movimiento; jugar con el morphing y la la metamorfosis, consiguiendo transiciones contínuas y fluidas. Otra de las motivaciones que tuvo Ion para realizar Spherikal, era poder trabajar con un software 3D pero lograr un resultado gráfico y plano.

Entre los proyectos de Ion Lucin, también podemos encontrar Displaced. Se trata de un proyecto tipográfico personal, en el que el protagonista es un cuadrado negro en el que Ion disecciona y desplaza piezas de éste formando los caracteres tipográficos. Combina el positivo y el negativo para formar cada elemento. Todo realizado mediante Cinema 4D.

9. Juan Camilo Rojas

Nacido en Colombia y residente en París, Juan Camilo Rojas es un diseñador gráfico al que le gusta, entre otras cosas, experimentar con la tipografía. Según sus propias palabras "mi trabajo busca conectar con los espectadores para comunicar un determinado mensaje y hacer pensar, analizar, y crear un vínculo con el". Ha realizado numerosas exposiciones en América, Asia y Europa. Del 8 de Mayo al 17 de Julio de 2011 en Museum for the Printing Arts Leipzig (Alemania) expondrá “Typography in Contemporary Art”. Os dejamos un enlace a su web donde podréis ver sus trabajostipográficos, diseños de packaging y algunos proyectos fotográficos.

10.Craig Ward

Craig Ward es un diseñador gráfico, ilustrador y tipógrafo residente en Nueva York. Ha trabajado en diversas agencias de publicidad de Londres y New York como MCBD, CHI & Partners... y colaborado con el estudio Words are Pictures. Craig está fascinado por la palabra y su representación como imagen, por lo que continuamente explora nuevas técnicas y métodos para aportar, mediante sus creaciones, más significado a los titulares y a los textos. Entre sus clientes se encuentran Wired, Nike, BMW, Elle, The Economist, Dockers, The Guardian, Creative Review, GQ, Ebay, The Washington Post and The New York Times, así como muchos otros en campos de publicidad y la industria editorial.

11.Tania Álvarez Zaldivar

Tania Álvarez Zaldivar es una diseñadora y artista digital mexicana que se dedica a la creación de tipografía experimental.

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Tania Álvarez tiene una extensa formación que ha ido completando en diferents partes de lmundo. En Canadá ha cursado sus estudios de diseño y de arte; en México, diseño industrial; en Brasil diseño gráfico; y en EINA Barcelona estudió tipografía.

Crea tipografías elegantes experimentando con formas orgánicas y las incorpora a diseños para identidades corporativas o carteles. Un ejemplo de ello es el diseño para la entidad D_Verse Research Lab, Concordia University para la que realizó una tipografía basada en piezas textiles. Otro ejemplo es la tipografía creada exclusivamente para desarrollar la identidad visual del restaurante Estruch, en Barcelona.

También realizó una tipografía para usarla en la señalética de mapas. La tipografía Cartola está basada en la cartografía antigua y en el proyectoEmotional Cartography, Technologies of the Self, editado por Christian Nold. Según explica la diseñadora, las características de Cartola buscan curvas y acabados que pueden ser pretensiosos para lo que usualmente se acostumbra a definir en tipografías de cuerpos pequeños: «En este sentido, busca el punto del ornamento excesivo dentro de la funcionalidad».

Cartola 3 Tania Álvarez Zaldivar realiza tipografía experimental

Cartola 3 Tania Álvarez Zaldivar realiza tipografía experimental

Otros ejemplos de tipografía experimental de Tania Álvarez son el lettering que realizó para el New York Time Sunday Magazine y el cartel diseñado para PaveLane, una tienda de bicicletas en Barcelona. El dibujo tipográfico está basado en la tipografía Avant-Garde.